Events:

• Conference

  Place: Greatmore Studios, Cape Town

  Sat, 27. Sep – Sun, 28. Sep 2014

  Break this unbearable silence! Restitution/Repatriation & Human Remains.

  The focus of this two-day activation is the manner in which so-called human remains have been (man)handled. In the context of the on-going debate surrounding the restitution and repatriation of human remains from anthropological collections attached to medical faculties, this term denotes that which physically remains of the deceased following death after a legally determined timespan. This inherently implies issues such as the universal notion of respect for peace in death and for the dead, and an ethical response to the history of scientific racism and its crimes. In 2011 and 2014, a total of 55 skulls and skeletons, which both in legal and cultural terms had been understood as human remains and thus retained their erstwhile status of object, were removed from the collection at Charité in Berlin and returned to Namibia, from where they were forcefully stolen at the turn of the 20th century. This repatriation of human remains is due to be taken up again in Cape Town and activated in the course of a process of “becoming human”. At the public handover ceremony in 2011 in Berlin two of the skulls could be viewed beneath a plexi-glass cover, while the remainder were packed in cardboard boxes. Straddling the threshold between scientific material and individual remains – or a corpse, the racist- and colonially-driven scientific praxis was manifestly de-codeable. The labels attached to the skulls and serrations caused by a saw – evidently proof of their objectification and invasive procedures – had become conspicuously visible “in the material”. Inherent to the actual display of the “handover” on the premises at Charité – Berlin’s oldest medical school – were the genocide perpetrated by the German Empire during the colonial period as well as the present-day debates surrounding the issue. Wrested from this scientific context, these (erstwhile) objects exhibit an almost scarily uncontrollable indeterminacy and openness in terms of time and space, which we refer to as an “activation”. They made an impact. They were at once objects and yet subjects of mourning and remembrance. They were at once functionaries of local and/or national interests and likewise agents in their own right. While not individually identified, they had once again become scientific objects, this time round in the domain of provenance research. Through their very presence, the specifically established Charité Human Remains Project was in the position to substantiate the nature of their violent appropriation and provenance, including those taken from the Shark Island Concentration Camp (in today’s Namibia), as well as the racist research undertaken by German institutes. Many of the spectators from Namibia and Germany attending the official handover ceremony deemed the skulls as a matter of shame, and, in the true sense of the term, bones of contention; they collectively demanded the recognition of the genocide perpetrated and an apology from the German state. Deputy Minister Cornelia Pieper – an invited guest and sole government member present – immediately left the proceedings after her speech. In wake of the handover, there was a strikingly critical coverage in the press as well as a brief parliamentary inquiry with respect to the manner in which the federal German government responded to the issue.   We would like to address over the course of the two-day meeting in Cape Town the herein described activation, as well as its affiliated specific and rare convulsion of scientific, cultural and emotional certainties and to grasp it as a multi-perspective negotiation, at whose culmination should ensue not so much the resolution in a (necessary) regulation or in an art-work, but rather in the multi-layered narrative of this complex situation. (Artefakte//aktivierung)

• Conference

  Place: École du Patrimoine Africain, Porto-Novo (BJ)

  Mon, 6. Oct – Tue, 7. Oct 2014

  Dis / missing the Links! Value Adjustments, Cultural Heritage & Absent Objects

  The activation focuses on the issue of the definition and the significance of trans – cultural heritage and their affiliated practices. The point of departure for this two-day experimental event with contributions from artists, ethnologists, art historians and lawyers is access to one’s cultural heritage, the hierarchy of a post-colonial spatial relationship and the history of violent mis/appropriations: Forms of presence of exclusive objects, which elsewhere engender loss and absence. This activation thus aims at a transformation of spatial dis/continuities such as the right to possession in addition to the right to challenge and question; accessibility, availability, disciplinary interpretations and their conversion, classifications and their transfer, value and processes of de/valorisation, places of storage and of exploitation, museum display-interpretations and socio-cultural performative utterances, (digital) re/productions, original copies, duplicates, fakes, and other sundry mementos. A case in point is the more than 2,500 bronze and ivory artefacts, which were stolen in 1897 from the palace – in present-day Nigeria – of the king of Benin during the course of one of the colonial conflicts with the United Kingdom. Subsequently, these objects obtained record prices on European art markets; this has resulted in them rarely having changed hands since. The activation at hand takes issue with this misappropriation. 1897.com: Art and the Restitution Question (2009) by Peju Layiwola addressed the dearth of stolen artefacts, by filling an exhibition space with among other things replicas of reliefs and heads, thereby re-producing a historic photograph in the Royal Palace, which shows the appropriation of the objects.   A second case study was in 2006 with an exhibition organised to mark the 100th anniversary of the death King Béhanzin, the last monarch of Dahomey, organised by the Fondation Zinsou in Benin (Republic of Benin) in the former royal place in Abomey. Many of the exhibits were on loan from the Musée du Quai Branly in Paris. Permission, however, was not granted for Béhanzin’s throne, one of the principal objects that had been appropriated, to be brought to Benin. The art historian and curator Didier Houénoudé relates of a kind of shock that went through the art world in Benin at the sight of these exhibits – in particular among students of art history and artists. (Artefakte//aktivierung)

• Talk

  Place: Kunsthaus

  Mon, 26. Jan 2015, 20 Uhr

  Künstlergespräch mit Penny Siopis

  Penny Siopis ist eine der bekanntesten Filmemacherinnen und Künstlerinnen Südafrikas. Sie spricht im Rahmen einer Kooperation mit den 16. dresdener schmalfilmtagen am 25. Januar im Kunsthaus Dresden mit der Kuratorin Sophie Goltz über ihr Gesamtwerk. Neben ihren filmischen Arbeiten, die während der 16. dresdner schmalfilmtage am 23. Januar vorgestellt werden, ist die vielseitige Künstlerin für ihre Werke in Malerei, Fotografie und Installation bekannt. Durch ihre künstlerische Auseinandersetzung mit afrikanischer Geschichte und Erinnerung gilt sie als wichtige Analytikerin von Rassen- und Genderfragen. Mit ihrer Kunst kritisiert sie seit den 1980er Jahren auf deutliche und dennoch subtile Weise die Folgen des Kolonialismus und des Apartheidsregimes. Häufig stehen Frauenfiguren im Zentrum ihres Interesses, wie beispielsweise in der Ende der 1980er Jahre entstandenen Fotoarbeit über Saartjie Baartman. Die Südafrikanerin Bartman wurde als Khoi-San Anfang des 19. Jahrhunderts auf Völkerschauen in Europa präsentiert. Von ihrem Körper wurden Abgüsse gemacht, er selbst nach ihrem Tod ausgestopft und fand Eingang in Museumssammlungen. Andere Arbeiten von Siopis beschäftigen sich weiter mit der Suche nach Widerstand gegen das Patriarchat, zu sehen in einer Reihe von Publikationen über Dora – einer der Patientinnen, denen Sigmund Freud Hysterie diagnostizierte. Seit dem Ende der Apartheid ist Scham das zentrale Thema ihrer Arbeiten. Sie verbindet dabei persönliche Erinnerungen mit kollektiven Erfahrungen und befragt kritisch die gesellschaftliche Gegenwart in Südafrika. Die Südafrikanerin mit griechischen Wurzeln wurde 1953 in Vryburg in der Provinz Nordkap geboren. Ihrem Kunststudium an der Rhodes University und Portsmouth Polytechnic folgte eine Lehrposition am Natal Technikon in Durban. Seit 1984 lebt Penny Siopis in Johannesburg, wo sie an der Universität Witwatersrand am Institut für Bildende Kunst lehrt. Außerdem ist sie Professorin an der Michaelis School of Fine Art der Universität Kapstadt. Neben Beteiligungen an nationalen und internationalen Ausstellungen sprechen auch Auszeichnungen, wie der „Volkskas Atelier Award” oder der „Vita Art Now Award” für die große Anerkennung der Künstlerin. Das Gespräch ist Teil der Projekts „Künstliche Tatsachen“. In Zusammenarbeit mit Künstler/innen, Ethnolog/innen, Historiker/innen und Kurator/innen aus Südafrika, Benin und Deutschland fragt das transnationale Ausstellungs- und Rechercheprojekt „Künstliche Tatsachen“ nach der Bedeutung europäischer und afrikanischer Sammlungen, deren historische Entstehung unmittelbar mit kolonialen Geographien und Ethnographien verbunden ist, und damit auch nach dem heutigen Umgang mit dem kolonialen Erbe. Ab dem 20. Juni 2015 zeigt das Kunsthaus die von Sophie Goltz kuratierte Ausstellung „Künstliche Tatsachen“, in der unter anderem Werke von Penny Siopis zu sehen sein werden. Die Ausstellung und Veranstaltungen im Sommer 2015 in Dresden entstehen in Zusammenarbeit mit Sophie Goltz (Kuratorin der Ausstellung) und einer internationalen Auswahl an Künstler/innen sowie mit der Berliner Künstler/innengruppe Artefakte//aktivierung.

  Die filmischen Arbeiten von Penny Siopis im Schmalfilmformat werden in einer Porträtvorstellung am 23.01.2015 um 20:30 Uhr bei den 16. dresdner schmalfilmtagen in der Motorenhalle. Projektzentrum für zeitgenössische Kunst, gezeigt.

• Lecture

  Place: HfBK , Brühlsche Terrasse, Raum 109

  Wed, 10. Jun 2015, 18 Uhr

  Artist Lecture Emma Wolukau-Wanambwa

  Emma Woluka-Wanambwa ist Künstlerin und Wissenschaftlerin.
  Sie hinterfragt die Auswirkungen des Kolonialismus auf Denkweisen und auf kulturelle Praktiken wie Sehen und Erinnern. Kolonialausstellungen und kolonialen Überbleibsel im Bildungswesen stehen im Mittelpunkt ihrer künstlerischen Forschung.

  In ihrem Vortrag stellt sie ihre aktuelle Arbeit für die Ausstellung „Künstliche Tatsachen-Boundary Objects“ vor. Die Installation „VON EINGEBORENEN BESCHÄDIGT “ reinszeniert den kolonialen Blick der Dresdner Kolonialausstellung von 1939 und fragt nach der Herstellung einer exotischen und kolonialen Kulisse.

  Das künstlerische Werk von Em…ma Wolukau-Wanambwa umfasst Arbeiten in zahlreichen Medien. Sie fertigt Installationen, Videos, Fotos, Drucke, Texte und Malereien. An den Ausstellungen Feedback: Art, Africa and the Eighties (Hood Museum of Art, Dartmouth, USA), Uganda in Black and White (Contemporary Image Collective, Kairo, Ägypten) Giving Contours to Shadows (Savvy Contemporary/Neuer Berliner Kunstverein, Berlin) und weiteren Ausstellungen nahm sie teil.

  Seit kurzem ist sie Forschungsdirektorin an der Nagenda International Academy of Art & Design in Namulanda, Uganda. Sie studierte Literaturwissenschaft an der Cambridge University und Kunst an der Slade School of Fine Art am University College of London. Emma Wolukau-Wanambwa forschte unter anderem an der Jan Van Eyck Akademie in Maastricht.

• Lecture

  Place: HfBK, Brühlsche Terrasse, Raum 109

  Wed, 17. Jun 2015, 18 Uhr

  Artist Lecture Peju Layiwola

  Peju Layiwola stellt ihre neueste Arbeit für die Ausstellung „Künstliche Tatsachen- Boundary Objects“ vor, die sich den Benin-Bronzen widmet. Sie wurden 1897 aus dem Königspalast in Nigeria geplündert und ansschließend versteigert. Noch heute befinden sich zahlreiche Benin-Objekte in europäischen Museen.

  Peju Layiwola behandelt in ihrem Werk die Rückgabe zweier Plastiken aus einer Privatsammlung. Mark Walker ein Nachfahre eines der an der Plünderung beteiligten Soldaten übgab 2014 zwei Objekte an den Oba von Benin. In ihrer Arbeit verbindet sie die ikonischen Lesart des Vogels und der Glocke als Verbindung mit den Ahnen mit der Mitteln zeitgenösischer Kunst und erinnert an die historische Rückkehr der beiden Objekte nach Nigeria.

  Peju Layiwola ist Künstlerin und Professorin für Kunstgeschichte an der Universität Lagos.

• Exhibition, Performance

  Place: Kunsthaus

  Fri, 19. Jun 2015, 19 Uhr

  Opening of the exhibition Boundary Objects with an Artist-Performance of Burning Museum: #colonialproblems

  Die Ausstellung Künstliche Tatsachen: Boundary Objects fragt nach Verbindungsstücken in einer post-kolonialen Erinnerungslandschaft.

  21:00 Uhr Performance Burning Museum: #colonialproblems

  Das interdisziplinäre Kollektiv Burning Museum aus Kapstadt, Südafrika, bringt Dokumente unterdrückter Erinnerung in den öffentlichen Raum. Sie stellen ihre Arbeit in Südafrika und die für die Ausstellung entstandene Installation zur Herrnhuter Mission vor.

• Exhibition, Performance, Guided Tour

  Place: Kunsthaus

  Sat, 11. Jul 2015, 19 - 1 Uhr

  Museumssommernacht mit Cross-Media-Performance BARE FACED und Party „All Time Pan-African Favorite Music Soundscapes“

  19 Uhr Kuratorinnenführung mit Sophie Goltz

  21 Uhr Performance Bare Faced

  ab 22 Uhr Party mit DJ Enoka Ayemba

   

  Erstmals in Deutschland zeigen Lazara Rosell Albear und die Musikerinnen Audrey Lauro und Margarida Guia die Cross-Media Performance Bare Faced am 11. Juli um 21 Uhr im Kunsthaus Dresden im Rahmen der Museumssommernacht, in der sie persönlichen Erinnerungen und überlieferten Artefakten auf den Spuren afro-karibischer Geschichte folgen.

  Die multimediale Performance verschmilzt musikalische Live-Acts, Tanz und historische Bilder miteinander. Bare Faced ist eine sehr persönliche Identitäts- und Spurensuche der Künstlerin Lazara Rosell Albear. Neben Interviews und historischem Fotomaterial bilden Spuren des Santería und des Palo, afrikanischer Religionen auf Kuba, in denen Trance eine wichtige Rolle spielen, den Ausgangspunkt der Performance. Als Performance und Videoarbeit entwickelte Rosell Albear Bare Faced gemeinsam mit dem Kongolesen Sammy Baloji. Auf der Suche der beiden Künstler nach einer gemeinsamen Geschichte verfolgen sie die zentralafrikanische Kultur von Kongo nach Kuba auf den Spuren ererbter religiöser Praktiken.

  Mit der Performance greift Albear Bilder kultureller Zuschreibungen auf und benutzt ihren eigenen Körper als Projektionsfläche für koloniale, rassistische und sexistische Bilder und versucht ihr Schwarz-Sein mit neuen Begriffen zu erfassen. Bare Faced wurde 2011 bei TRANCEMEDIAMIX 2 in Brüssel uraufgeführt.

   

  Ab 19 Uhr special: Führung durch die Ausstellung mit der Kuratorin Sophie Goltz

  Ab 22 Uhr Party mit DJ Enoka Ayemba „All Time Pan-African Favorite Music Soundscapes“: Ayemba, der sich als Filmwissenschaftler und Kurator von Filmreihen in Berlin einen Namen gemacht hat, stellt ein Best of der World Music von Cheb Khaled bis Fela Kuti vor.

   

  Lazara Rosell Albear lebt als Choreographin, Dichterin und Musikerin in Brüssel. Sie studierte Film an der Königlichen Kunstakademie in Gent. Im Jahr 2011 kuratierte sie das Tanzfilmfestival DANSCAMDANSE-International Dancefilm Festival of Belgium. Ihre audiovisuellen Kreationen und Filme wurden auf verschiedenen Festivals in Belgien, Frankreich, der Schweiz, Deutschland, Argentinien, Chile, Kuba und Island gezeigt, unter anderem trat sie 2014 am Gorki-Theater in Berlin auf.
  Künstliche Tatsachen ist ein Projekt des Kunsthaus Dresden – Städtische Galerie für Gegenwartskunst mit der Künstler/innengruppe Artefakte//aktivierung (Brigitta Kuster, Regina Sarreiter, Dierk Schmidt), der Kuratorin Sophie Goltz in Zusammenarbeit mit den Partnern Burning Museum (Tazneem Wentzel, Scott Eric Williams, Jarrett Erasmus, Grant Jurius, Justin Davy) in Cape Town (ZA), der École du Patrimoine Africain in Porto-Novo (BJ) und der Universität Abomey-Calavi in Cotonou (BJ).
  Künstlerische Leitung Kunsthaus Dresden: Christiane Mennicke-Schwarz
  Projektkoordination: Bettina Lehmann, Tobias Mörike

  Das Projekt wird gefördert im Rahmen des TURN – Fonds der Kulturstiftung des Bundes für künstlerische Kooperationen zwischen Deutschland und afrikanischen Ländern, und durch das ifa (Institut für Auslandsbeziehungen).

  Die Performance Bare Faced in Dresden wird von Wallonie–Bruxelles International (WBI) gefördert.